A mediados de noviembre de 2019, Silo se convierte en el nuevo restaurante caracterizado por un concepto sin desperdicios único hasta entonces. Viene de la mano del chef Douglas McMaster. Tras el éxito del anterior local, decidió abrir su nuevo restaurante cero residuos en Hackney Wick, The White Building.

El pionero de cero residuos, con un enfoque innovador de Douglas, todo el restaurante y sus cadenas de suministro se basan en el concepto de cero residuos. Este concepto le persigue en el nuevo restaurante situado en el piso superior de The White Building.

Diseño de este restaurante cero residuos

Los interiores del restaurante Silo han sido diseñados por Nina + Co, estudio de diseño de interiores caracterizado igualmente por su enfoque en el diseño sostenible. La base de su diseño se basa en un proceso muy elaborado, pocos materiales de alta calidad y mentalidad de cero desperdicios.

Distribución

Al subir la escalera de hierro fundido que se encuentra junto al puente cubierto de graffiti, hay un contraste muy peculiar con un interior elegante y minimalista. La antigua fábrica de tostado de cacao cuenta con grandes ventanas con marco de acero, armaduras de acero expuestas y aislamiento de techo de lana de oveja.

El objetivo es cerrar el ciclo. Tiene un interior compuesto por desechos o materiales naturales que han sido cuidadosamente seleccionados. Estos materiales se puedan biodegradar o desmontar fácilmente para poder ser reutilizados en el futuro. Trabajaron con artesanos locales que utilizan técnicas antiguas, a la vez que se aprovecharon materiales y tecnologías innovadoras .

Al principio, verás un puesto que tiene recortes y partes de madera inutilizables. Estas se han laminado juntas y esculpidas en forma de tocón de árbol. Sobre ellos, una luz colgante moldeada de algas forrejeadas.

El suelo está formado por corcho natural, que ha sido cosechado a mano de la corteza del alcornoque, procurando el cuidado del árbol. Su bar comedor de 18 plazas es muy largo, tiene una encimera con mucho encanto para crear una conexión más íntima entre chef, ingredientes y comensal. La parte de delante de la barra tiene cuero reciclado.

El mostrador del comedor está hecho con envases de poliéster hechos a mano. Su bartop de 12 metros puede reciclarse las veces que sea necesarias.

Todo detalles en Silo

El estudio de diseño se ha encargado de diseñar las mesas redondas de 3 patas y estación de camareros de 5 metros de largo, y un maestro artesano las ha creado con cenizas inglesas de origen sostenible. Los muebles de cócteles se han cultivado por encargo usando micelio.

Un alfarero local ha fabricado sus 30 luces a medida fueron fabricadas utilizando botellas de vidrio trituradas del restaurante. Se eligieron tejidos de lana naturales para tapizar los asientos.

Filosofía

Para el primer restaurante cero residuos en Reino Unido se había contado con el estudio de diseño Baines & Fricker. En Brighton se ha logrado crear un espacio con un diseño que encaja perfectamente con la filosofía del establecimiento.

Algunos de los elementos utilizados son piezas artesanales, máquina de compost, mobiliario con mesas de cuela y aislamiento de suelos de oficinas reciclados . Este mantiene la filosofía del anterior, con la mente enfocada en el diseño sostenible y cero residuos.

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Realizado desde la pasión y la experiencia.

Los diseñadores británicos de Child Studio han convertido una antigua oficina de correos de Londres, construida en la década de 1960 y hasta entonces en desuso, en el nuevo restaurante de diseño modernista japonés Maido.

Diseño

Su interiorismo se caracteriza por una acertada mezcla de influencias de diseño modernista europeo y estilo nipón. Alexy Kos y Che Huang aseguran que su «objetivo era redescubrir y celebrar la historia única de este edificio y su vecindario».

El diseño del restaurante se estableció sobre un local en una planta baja de una construcción situada en el distrito Saint John’s Wood de Londres, cerca del famoso cruce de Abbey Road.

En el restaurante se pueden apreciar sutiles referencias al arte y cultura japoneses, desde el juego de patrones geométricos a la elección de materiales o detalles de carpintería artesanal, además de detalles del Londres de la época modernista.

Distribución

El mobiliario de hostelería ha tenido especial protagonismo, ya que se ha hecho también una cuidada y esmerada selección de muebles antiguos y contemporáneos, entre los cuales podemos ver sillas antiguas de acero tubular MR10 de Mies van der Rohe.

Destacan especialmente los icónicos sillones de madera contrachapada moldeados que han sido diseñados por Norman Cherner en 1958 combinados con los atractivos taburetes de aluminio fundido del diseñador japonés Naoto Fukasawa.

El mostrador de la isla central en que se prepara sushi y platos japoneses está cubierto con un revestimiento de acero curvo reflectante sirviendo de punto focal de todo el espacio. Además, sobre él hay una lámpara de mesa Pipristello diseñada por Gae Aulenti para Martinelli Luce en 1965. Se complementa con los taburetes de barra de aluminio pulido.

Es importante la variedad de escenarios de asientos diferentes para equilibrar la «atmósfera agradable con rincones y recovecos más íntimos». Para ello han subdividido la habitación con una pared curva que forma una cabina de asientos tapizados en cuero en la parte trasera del restaurante.

Las paredes se encuentran revestidas de paneles de madera de cerezo oscuro con apliques de latón antiguo de Stilnovo. Además, completan la decoración grandes cuadros abstractos colocados sobre ellas.

Su techo artesonado suspendido en un tono azul suave diseñado específicamente para el restaurante hace referencia al cielo. Su patrón reticular se refleja sobre el suelo cerámico de color gris oscuro.

El espacio se encuentra dividido en dos por un volumen semicircular de pavés inspirado en la fachada de la Biblioteca de Saint John. Por un lado, el restaurante principal abierto a la calle. Por el otro, el  salón trasero con vidrio texturizado. También hay barra de sakes.

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Realizado desde la pasión y la experiencia.

Un nuevo restaurante de lujo ha llegado a Madrid, junto al parque del retiro. Restaurante Don Dimas nos trae un viaje al recetario de Andalucía entre aires del bistró parisino. Podemos ir al París de la Belle Époque sin salir de la capital de España.

Es un restaurante en que se muestra la sencillez de los materiales naturales con los más atrevidos estampados de la tapicería, creando una elegancia única en el barrio de Salamanca.

Diseño

Una apuesta por el contraste, tradición y vanguardia, memoria y modernidad. Los atrevidos estampados de la tapicería y la sencillez de los materiales naturales nos llevan a un espacio único. Un interiorismo elegante que nos traslada al París de la Belle Époque en Madrid al que no le falta el humor.

Han apostado por incluir mucho tapizado y techos oscurecidos para crear un espacio vibrante, con salas que tienen contrastes de textura y colores con los que crear diferentes atmósferas en un mismo estilo decorativo.

El estudio de Pablo Peyra decidió llevarnos a uno de los bistrós clásicos del París de la Belle Époque tras las puertas azules acristaladas de Restaurante Don Dimas. A través de ellas entra la luz natural para crear una energía vibrante en el restaurante.

Han decidido apostar por el azul marino en techo, paredes y mobiliario de hostelería. Los textiles usados son de la firma Güell Lamadrid. El papel pintado del baño femenino ha sido diseñado por Avellaneda para el estudio.

Distribución

Así, es como conviven el azul de la pintura y tapicería con los tonos naturales propios del ladrillo visto y parqués. Al entrar al restaurante te encuentras con una escultura del zorro, una figura con base geométrica blanca para crear mayor modernidad y simpatía en el local.

El zorro es el emblema del restaurante, dando nombre a Don Dimas, el zorro más canalla de Blas Infante. Aparece en logo y el papel pintado. El papel pintado con el zorro es perfecto por todo lo que significa, además, se funde perfectamente con el floral de la tapicería de las sillas del local. Otro aspecto importante es la iluminación, con lámparas que proporcionan luces cálidas y crean sombras y formas sugerentes por medio de sus cristales.

En el local se crean íntimos rincones en los que los bancos son los divisores del espacio y la iluminación da calidez a la acera, acompañada de los colores tierra. Los techos azules y elegantes tapicerías de terciopelo contrastan con la sencillez de la pared de ladrillo visto que le aporta un característico aire industrial.

Hay un primer comedor en el que te sentirás como en casa, con sus papeles pintados con motivo del zorro. Es dogfriendly.

Otro comedor tiene una decoración con tintes más de bistró con sus columnas, mesas coquetas zon «zona de tren» con bancadas y pared de ladrillo visto, además de grandes ventanales y espejos que le confieren una luz natural.

En medio de ambas salas, destaca la barra de mármol de Guatemala.

En el tocador, con un mueble vintage, podemos ver el característico papel pintado con motivos florales en tonos rojos y un espejo que se rodea de bombillas para hacer que te sientes como estrella en el camerino.

La sala speakeasy consiste en un reservado para las reuniones sociales más íntimas un lugar con una ovalada mesa principal y lámpara colgante de latón con cristal, además de un original papel pintado con un retrato de una mujer con alas.

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Este restaurante mexicano situado en Guadalajara que ha sido creado en un área de 220 m2 surge de la fusión de referencias de la tradición culinaria y mixología mexicanas, especialmente las del Norte del país, el carácter de las haciendas y gamas tonales del desierto. Se encuentra en el segundo piso de la Torre Américas 500.

Diseño de Veneno

El local reinterpreta la cultura prehispánica de Paquimé y celebra las raíces mexicanas en su gastronomía y diseño. La cultura paquimé se estableció sobre el año 700 d.C. en el corazón del desierto de Chihuahua, con una arquitectura caracterizada por sus desarrollos urbanísticos, pinturas, laberintos y casas realizadas en adobe. Tenían sistemas de calefacción y edificios de varios niveles. Este local surge inspirándose en esta cultura de la mano de Juan y Javier Monteón.

Es por ello por lo que se mezclaron tonos desérticos con los aplanados de tierra en el diseño. Se hicieron pruebas con variaciones en proporciones hasta lograr el balance entre textura, color, dureza y control de agrietamientos.

Distribución

A partir del tono logrado, se quiso continuar la monocromía en la madera, que con bordes suavizados y manteniendo su textura en cubiertas y mobiliario, emula las tallas y formas sencillas de los trabajos artesanales del noroeste. 

El tono sigue en los pisos, donde un estampado irregular acompaña texturas y relieves en muros. Los muros bajos, con variaciones en alturas, crean divisiones para lograr ambientes independientes entre los diferentes grupos de mesas. 

Gracias a los relieves y aristas suavizadas se crea la idea de que los muros han nacido de la tierra y sido erosionados. Esos relieves, junto con sus aristas suavizadas, dan la idea que los muros nacieron de la misma tierra y han erosionado.

El área principal del espacio es la de fuegos en la cocina que pueden ver todos los comensales, en que se hace homenaje a la cocina tradicional con leña, horno de piedra o de pozo. También se puso plafón para ocultar las instalaciones necesarias en ese elemento, el cual está inspirado en el sitio arqueológico de Paquimé.

Destaca por sus detalles hechos a mano como la madera natural, cuero y adobe que armonizan con los ingredientes de la zona. Pero sobre todo por su techo, no en vano se ha reconocido el local por el Mejor Diseño de América y Mejor Techo de la décima segunda entrega del  Restaurant & Bar Design Awards 2020.

Dentro de este conjunto de planos se forma ese paréntesis contemplativo, donde los olores, colores, texturas, fuegos y tragos hacen a todos los participantes  parte de un escenario donde se desarrolla una obra de teatro dos veces al día. Su espacio esculpido con tierra honra los sabores emanados de ella.

No debemos olvidar la colaboración de artistas mexicanos que dio lugar a la creación de  asientos en piel, con un claro diseño mexicano tradicional y toque de modernidad. Todo el conjunto es perfecto para un local con muy buen gusto.

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El estudio holandés Studio Modijefsky ha recuperado en Arie Op de Hoek la esencia del típico “brown café» holandés, que se refiere a locales que se establecieron en el centro de la capital desde el siglo XVII.  Utiliza materiales como terrazo, azulejos, cobre, madera, tejas y telas recreando este ambiente en el local, una mezcla entre cafetería y taberna donde antes se reunían los vecinos y que muchos echaban de menos.

Diseño de Arie Op de Hoek, bar de diseño «brown café»

El local busca recuperar la tradición de entonces con un moderno brown café, mezcla entre taberna y cafetería, locales que en su momento eran creados por personas que vivían en las plantas bajas y abrían sus casas para servir bebidas y alimentos para ganar más dinero. El nombre viene del humo de cigarrillos que decoloraba las paredes.

Ahora el nuevo espacio tiene paneles de madera revistiendo su interior. Optan por los materiales antes mencionados por ser materiales de época, con haya oscurecida creando un gran contraste con los mármoles rojos de la barra frontal y el cobre envejecido. Cuidan cada detalle y cada rincón para crear una atmósfera única y familiar.

Distribución

El local cuenta con una capacidad de 143 m2 de espacios interiores y 50 de terraza en un edificio de 1876 en la intersección de la Ferdinand Bolstraat y Quillijnstraat de Ámsterdam, de ahí parte de su segundo nombre: «op de hoek» (en la esquina). Fue tras la Segunda Guerra Mundial un lugar emblemático.

Las baldosas azules crean todavía más contraste con su gran variedad de tonos, y conectan la parte trasera del bar con el techo rojo y amarillo. La trasera del bar se encuentra presidida por un gabinete de madera realizado a medida para el local, recordando a las neveras fabricadas artesanalmente.

Protagonizando el espacio, la barra se puede apreciar desde ambas entradas. Se encuentra apoyada sobre un pavimento de terrazo tradicional holandés, con una barandilla de latón para darle un toque clásico. Su mostrador realizado en mármol refleja la luz de neón que atraviesa su techo brillante de azulejos. Su principal función es señalar la transición entre dos áreas.

La primera área se encuentra en la zona delantera, de asientos altos. La otra área, baja, es perfecta para sentarse más cómodamente. Según el estudio de diseño han creado dos atmósferas completamente diferenciadas, cada una de ellas invita a un diferente estado de ánimo.

La zona frontal  se transforma en un ambiente más relajado y monótono en la parte posterior. La última, más estrecha, aprovecha las aberturas originales en un muro ciego para colocar espacio que crean una mayor amplitud visual. Los detalles de madera de apliques la pared también forman parte de la recuperación y transformación de objetos del edificio original.

Personalidad

Todo en el diseño, desde los nuevos detalles decorativos hasta los elementos ya existentes con anterioridad, se combina perfectamente para crear una atmósfera que está desapareciendo de la ciudad y que muchos echan de menos. Es un lugar al que se va a tomar algo y se acaba pasando más tiempo, como un hogar, la esencia de antes plasmada en un bar donde sentirse a gusto.

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Via: aqui, aqui, aqui, aqui y más. Fotografía: Maarten Willemstein

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Para llegar al nuevo local de BeGreen en Plaza de la Puerta del Mar 4 de Valencia te encontrarás con una puerta de vidrio y forja ornamentada que nos lleva a un espacio natural, sostenible y saludable tanto en sus recetas como en su diseño.

La imagen de este local la ha diseñado Horma. Se basaron en el principio de intervenir lo mínimo para conseguir lo máximo. No solo lo hicieron por ahorro de costes sino también por concienciación sobre la optimización de recursos. La clave es llegar a los clientes por un diseño sostenible que da paso a una comida sabrosa, sana y con precios accesibles.

Diseño de BeGreen, restaurante con diseño en terracota en Valencia

Su zócalo tallado de 90 cm de altura recorre todo el local. En torno a él se genera un interesante juego geométrico y topográfico. Podemos apreciar la cerámica manual y local en un zócalo que proporciona continuidad y la libertad para experimentar el espacio de una forma más personal.

Uno de los grandes protagonistas del espacio es el color terracota que cubre por medio de microcemento el zócalo y todo el suelo, logrando una continuidad cromática que solo interrumpen detalles puntuales en otros colores. Cabe destacar el color naranja del mobiliario de hostelería que podemos ver en BeGreen Valencia o el verde de la vegetación y lámparas. La vegetación emerge al final y al principio del espacio en maceteros de obra.

Distribución

Su planta baja es un único espacio de 30 metros de largo. El local se distribuye en diferentes zonas, desde espacios triangulares en zigzag pensados para uno o dos comensales frente a la entrada. En el mostrador se pueden ver alimentos frescos y recién cocinados.

Tas el espacio con mesas de terrazo en tonos salmón y tierra con sus sillas Hari podrás llegar a una zona en que hay una gran mesa con capacidad para hasta 10 comensales.

Sobre ella, encontrarás unas lámparas cerámicas de Adriana Cabello que le dan mucha vida al local junto con el encanto del mobiliario, aunque también tienen protagonismo la cerámica y microcemento.

Al fondo del local se puede ver una grada con dos mesas en cada escalón, además de un proyector que se puede utilizar para reuniones de trabajo, de formación, charlas o lo que se necesite.

Personalidad de BeGreen, restaurante con diseño en terracota en Valencia

La alimentación saludable es una de las primas de este local, pero también que sea económica. La economización de recursos y vida sostenible son dos de las claves del local. Es el local perfecto donde relajarte y disfrutar de su comida y su diseño con mucho encanto.

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Ver más: aqui, aqui Fotografía: Mariela Apollonio

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El restaurante de comida saludable Pukkel ha iniciado su andadura en Huesca con un atractivo diseño del estudio Masqueespacio en que predominan los colores de la naturaleza y una perfecta combinación de formas orgánicas en una carta en que se promueve el producto de proximidad.

Diseño de Pukkel

El objetivo de este restaurante de diseño orgánico era convertir el espacio en un lugar orgánico con vida propia. El estudio de diseño se puso manos a la obra para trabajar con materiales casi en su totalidad naturales para poder llevar la naturaleza al espacio.

Para ello se dedicaron a conocer la belleza de los parques y montañas de Huesca para encontrar en el diseño el punto de referencia que buscaban ligado al concepto de vida saludable.

Su diseño va muy de acuerdo con su propuesta gastronómica, con colores que están todo el tiempo recordando a la tierra,desde los diferentes tonos blancos y marrones al verde. Además, para darle un aire más sofisticado al espacio le han dado un toque dorado. Para llevar la idea más allá aplicaron un estucado rugoso en la pared haciendo referencia a las montañas y la tierra como parte del diseño de un local muy acogedor.

Estructura

Las formas del local son imperfectas pero orgánicas. Trazan el camino en el suelo dando la apariencia de un paseo en el bosque. Alrededor de él se han recreado espacios circulares como si los visitantes se introdujeran en las montañas.

Estos espacios circulares han sido diseñados para que los comensales puedan disfrutar de la experiencia de comer en el local de una forma diferente. Estos espacios han sido creados para desconectar, vivir la experiencia de la comida saludable en un local con mucho encanto.

La terracota aparece en las barras, suelos y algunas paredes, con figuras diseñadas especialmente para el local. Las paredes y reservados tienen ese estucado rugoso que le da ese atractivo montañoso especial. No podían faltar tampoco las plantas y las flores de temporada.

La decoración y mobiliario de hostelería están formados por una paleta cromática de tonos arena, blancos, verdes y marrones para crear la apariencia de bosque nevado, con los detalles en dorados ya mencionados para darles un toque de elegancia. Las mesas ganan en vida con la vegetación presente en ellas.

En los baños continúa la línea orgánica y la gama cromática del resto del espacio, habilitando el local totalmente a la idea que se ha buscado desde un primer momento en Pukkel.

Personalidad

Crear espacios reservados que inciten a la mayor intimidad de los comensales mientras disfrutan de la experiencia es uno de los objetivos del diseño, pero todo va enfocado a la necesidad de transmitir la experiencia culinaria de la comida saludable. La personalidad del local va enfocada a una gastronomía healthy que tanto gusta en Pukkel. Por supuesto, llevar la esencia de la naturaleza y la tierra a la mesa es otra de las claves de este restaurante.

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Ubicado en un local de 65 m2 en El Poblenou de Barcelona, las grandes ventanas arqueadas del restaurante Nina Barcelona señalan desde lejos el local con diseño industrial que destaca por sus interiores vivos y coloridos.

Según el estudio de diseño, el interior de este local con diseño industrial está caracterizado por elementos de construcción tradicionales que querían mantener desde el principio.

Diseño

El restaurante Nina Barcelona del estudio de diseño Liat Eliav cuenta con un diseño industrial con colores cálidos, ya que según el propio estudio querían lograr el equilibrio adecuado entre sus atributos auténticos que irradian intimidad y calidez con sus elementos modernos incorporados.

Para ello descubrieron los materiales de construcción originales dejándolos expuestos y crudos frente a materiales modernos de alta gama.

Estructura

Sus grandes ventanales llaman la atención de las personas que pasan por allí a la vez que le dan mucha luz natural al espacio. En el muro de piedra instalaron unas grandes farolas Albo Bernardi. Para lograr el equilibrio, pusieron pequeñas bombillas en la pared opuesta a esta.

Para mantener su aspecto industrial recurrieron a la luz técnica, sistemas de aire acondicionado y tuberías eléctricas expuestas.

Se conservó el techo pintado original para dar lugar a un auténtico vestíbulo de entrada. Lo más llamativo del diseño es sin duda la barra en color rosa con forma redondeada que crea un ambiente íntimo. Podemos ver más sillas y mesas que combinan perfectamente con la decoración y se distribuyen inteligentemente por el espacio.

Para dar protagonismo a la barra aplicaron una superficie de piedra Carrera redondeada en ángulos de hierro redondeados. La rodean taburetes altos y otros elementos de la decoración, con una estantería colgada para las bebidas en el fondo. En el piso, se integraron baldosas de terrazo con un piso de concreto liso.

Personalidad

Más allá de mantener su estructura original y crear un aspecto industrial moderno y colorido, el principal objetivo del diseño del restaurante es ser una extensión de su comida, que consideran una fusión entre el Mediterráneo y Oriente Medio, un lugar en que disfrutar con quien se quiera y relajarse.

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Ver más sobre este local con diseño industrial: aqui, aqui, aqui, aqui Fotos: Jose Hevia

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Nomo Braganza es un local que ha llegado a Madrid interpretando la cocina japonesa con los mejores productos españoles, situado en el barrio de las Salesas de Madrid.

Es uno de los proyectos póstumos del estudio Cirera+Espinet, ya que sus integrantes Cristina Cirera y Mariona Espinet están en una nueva etapa profesional por separado. Han buscado crear en este restaurante japonés un espacio atractivo pero funcional.

Diseño de Nomo Braganza, restaurante japonés con diseño mediterráneo en Madrid

Su diseño se ha inspirado en la gastronomía nipona con la fusión de la cultura mediterránea. Por ello, en diferentes zonas se pueden apreciar formas orgánicas y atrevidas ganando vida por medio de diferentes colores y texturas. Con ello se da lugar a una experiencia sensorial.

Se mantiene en este proyecto decorativo la obra vista original del local con un techo acústico de madera. Tuvieron que hacer una reforma integral porque el local se encontraba en mal estado, buscando combinar dos conceptos que parecen tan diferentes como el mundo nipón y el mediterráneo. Para hacerlo, recurrieron a materiales, colores y texturas como mármol, alicatados, pinturas y bambú dando lugar a repeticiones y contraste. El resultado es espectacular.

Su interior es cálido y acogedor, jugando con tonos rojizos, arna y terracota, haciendo por su parte referencia a la esencia del Mediterráneo. En este local la iluminación también tiene especial protagonismo, ya que crea un ambiente relajado a la vez que resalta cada rincón.

Estructura

El local de 240 metros cuadrados se encuentra dividido en dos plantas. Tiene capacidad para hasta 80 comensales.

En el piso superior, una gran barra rectangular de mármol para 13 comensales cobrando protagonismo en el espacio dando la bienvenida con su sushiman. Tras ella, hay mesas dispuestas en formas orgánicas creando diferentes rincones y zonas.

Una vez que se bajan las escaleras, hay un espacio íntimo con mesas y un gran sofá que se encuentra en un pequeño reservado separado con cortinas para grupos. Se encuentra iluminado con sutileza.

El alicatado de la pared se realiza en madera lacada, con acabados en arena rastrillada que recuerdan a un jardín zen para crear la sensación de calidez de la que hablamos. Todo el ambiente está perfectamente iluminado para crear las sensaciones.

Personalidad

La filosofía que siempre ha caracterizado los trabajos del diseño y que se plasma en este local es que la estética no existe si no es funcional. Por eso, se trató de hacer bonito lo que funciona. Esto ha dado lugar un espacio en que la gastronomía no es lo único que destaca en el local, sino que también lo hace su decoración.

Se buscó desde un primer momento un local cercano, sin pretensiones ni lujos, transmitiendo emoción con elementos naturales. Un lugar donde los comensales se sienten a gusto, con muchos toques de una mezcla de culturas interesante.

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En el esquinazo de un edificio situado en el norte de Madrid podemos ver el nuevo restaurante La Canica, una obra del estudio de arquitectura Zooco con una decoración colorida llena de texturas y colores. Un restaurante con diseño urbano en Madrid que merece la pena ver.

Diseño de La Canica de Infanta, restaurante con diseño urbano en Madrid

Ha sido denominado como La Canica de Infanta en referencia a la calle en que se encuentra, en el barrio de Tetuán. Tiene un carácter muy urbano entre sus aceras estrechas y altas con un muro medianero a la vista como telón de fondo. Una fachada de azulejos rojos llama la atención de todas las miradas, y tras ella está este restaurante que ha vuelto a abrir sus puertas con un nuevo cambio de aires y decoración.

Sus grandes cristaleras se pueden plegar completamente, eliminando con ello los límites entre el exterior y el interior. Parece convertirse en una prolongación de las calles que rodean este local, algo que se puede apreciar en los adoquines que se encuentran al entrar.

Según el equipo de diseño “las características propias el local, un gran esquinazo con aceras estrechas y altura considerable, condujeron el diseño hacia la generación de un espacio remate de la propia trama urbana».

Las medianeras de los edificios son testigo de las transformaciones y paso del tiempo, compuestas por diferentes texturas y materiales. Por eso, han querido plasmar esto en el muro de fondo del restaurante alternando con otros materiales como ladrillos huecos, acabados cerámicos, sardineles, madera, papel y vegetación.

Estructura

Cada material se utiliza para separar sus tres comedores y la zona de barra en que se encuentra dividido este restaurante, dando vida al muro medianero que se remata con dos planos horizontales.

Su interior se organiza en 4 áreas bien diferenciadas, que son los 3 comedores y el volumen de la barra. La cohesión se logra gracias al techo, una tarima de roble en espiga que le confiere relieve y calidez debido a sus diferentes direcciones de la madera.

Se han usado piezas discretas que han sido tapizadas en cuero y tercipelo, colores dorados, azules, verdes y tierra. Las grandes lámparas de cristal ayudan a crear un ambiente lujoso y elegante, a la par que cálido.

Todo su mobiliario ha sido diseñado y fabricado completamente a medida para el restaurante, siendo único y pensando específicamente en lo que se buscaba en La Canica de Infanta.

Podemos apreciar que el material cálido se ha llevado al techo y el frío al suelo, rompiendo el esquema tradicional para potenciar más el efecto de lo que buscaban en el local.

Como ya hemos dicho, el pavimento crea la sensación de prolongación de la calle al interior del local, y las carpinterías correderas plegables en hierro de color rojo de su fachada permiten que el local se pueda abrir a la calle en todo el perímetro.

Personalidad

Toda la decoración se ha organizado específicamente para crear un carácter urbano, un local abierto a la calle que parece que es una ampliación de esta. Con un clima sugerente y cálido donde sentirse a gusto. Como si te encontraras en la calle, pero en un restaurante muy atractivo y bien planificado en que disfrutar de su gastronomía.

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